SOBRE EL CD:

Hasta hace poco, apenas se hallaban referencias sobre los orígenes del cuarteto de cuerda en España en la bibliografía musical. Esta ausencia se ha debido, en parte, a un insuficiente conocimiento de hechos y fuentes. Hoy sabemos que el género gozó del favor de los aficionados, como se aprecia por los numerosos anuncios de venta de cuartetos aparecidos en la prensa española desde comienzos de la década de 1770. Asimismo, se ha descubierto un notable corpus de cuartetos que desmiente la pobre imagen que se tenía del período. Además de los numerosos cuartetos de Boccherini y Brunetti, han llegado a nosotros cuartetos de Juan Pedro Almeida Mota, Manuel Canales, Enrique Ataide y Portugal, José Teixidor y José María Reynoso, a los que hay que sumar cuartetos aislados de diversos músicos. No obstante, a pesar de la evidencia del cultivo del cuarteto en suelo hispano, el melómano aún tiene que enfrentarse a prejuicios muy arraigados. Uno de ellos es el nacionalismo que ha excluido de la historia de la música española a autores como Boccherini o Brunetti, cuyas carreras se desenvolvieron dentro del marco de las instituciones españolas. Precisamente, estos dos autores son los que de manera más intensa y prolongada cultivaron en España el género del cuarteto, siendo Boccherini, además, uno de los protagonistas de su surgimiento y afianzamiento en toda Europa. Un segundo prejuicio radica en la posición central que ocupa el cuarteto vienés en el canon del llamado «clasicismo». De acuerdo a un punto de vista tradicional, el «verdadero» cuarteto de cuerda, tal como se encarna en el Op. 33 de Haydn y en los cuartetos «Haydn» de Mozart, presenta unas características que lo sitúan en la cúspide de la música de cámara. El cuarteto de cuerda se distinguiría por tener cuatro movimientos contrastantes y relacionados entre sí, el protagonismo de la forma sonata, exhibir un concienzudo trabajo motívico o conceder a los cuatro instrumentos un tratamiento independiente e igualitario. Este tipo ideal ha servido de medida para evaluar los cuartetos que se compusieron durante la segunda mitad del siglo XVIII. Aquellos cuartetos que tienen dos o tres movimientos, que priorizan el encanto melódico o la yuxtaposición de atractivas melodías, que inciden en los contrastes de timbre, dinámica y textura o que buscan deslumbrar a través del virtuosismo de los intérpretes, se condenan como ejemplares inmaduros o imperfectos. Boccherini, Brunetti, así como otros músicos que trabajaron en España, prefirieron seguir unas vías que les alejaron del modelo que hoy se tiene por canónico, pero no por ello son menos válidas.

PISTAS:

String Quartet in C Major L158

1. Largo sostenuto – Allegretto [03:53]
2. Tempo di Minueto [03:41]

String Quartet in A Major L157

3. Larghetto espressivo [05:53]
4. Allegro non Molto [04:25]

String Quartet in E flat Major L160

5. Largo cantabile con sordini [09:39]
6. Allegro con Spirito [05:48]

String Quartet in G Major L161

7. Andantino con variazioni [06:06]
8. Allegro [03:47]

String Quartet in F Major L156

9. Allegro Moderato [07:01]
10. Rondeau. Allegretto [04:27]

String Quartet in A Major L159

11. Andantino con un poco di Moto [05:26]
12. Allegro non molto [04:23]

CRÍTICAS: 

«La enorme calidad de las improvisaciones y de los arreglos instrumentales permiten al oyente recrear su imaginario personal del ocio del siglo XVII y, a la vez, sentir una alegría y emoción atemporal.»– Revista Ritmo.

«La interpretación es sencillamente deslumbrante, con una percusión excelente de Olivé, la fuerza de Campanero, la sutilidad de Zapico y la brillantez imaginativa y virtuosa de un gran Pinteño». – Revista Scherzo.

«Un disco que nos hace bailar, taconear y sentirnos vivos» – El Cultural.

SOBRE EL CD:

La música barroca es quizá uno de los géneros musicales más proclives al arreglo instrumental, las variaciones y la improvisación. Basándose en estos tres preceptos, y usando como base algunas de las melodías más populares de los siglos XVII y XVIII, Concerto 1700 construye un recorrido afectivo por danzas y canciones de la España Antigua sumergiendo de lleno al espectador en una fiesta barroca donde los intrincados ritmos de las jácaras, los fandangos, los canarios o las folías se alternan con las suaves y nobles armonías de las españoletas o los pasacalles. Desde un punto de vista desenfadado se abordarán los puntos en común entre la música barroca y el otras músicas más actuales en esta singular jam session consagradas a las danzas más representativas de los siglos XVII y XVIII en España y que fueron tratadas por compositores de todo el continente.
Desde un punto de vista desenfadado se abordarán los puntos en común entre la música barroca y el otras músicas más actuales en esta singular jam session consagradas a las danzas más representativas de los siglos XVII y XVIII en España y que fueron tratadas por compositores de todo el continente.

PISTAS:

1. ZARAMBEQUES TEQUES after Lucas Ruiz de Ribayaz (1626 – ca.1677), Santiago de Murcia, Diego Fernández de Huete (1650-1705) & Salamanca Manuscript (ca. 1659). [03:48]

2. CANARIOS after Gaspar Sanz (1640 – 1710) & Paul de la Pierre (1612 – ca.1692). [03:48]

3. LAS ESPAÑOLETAS DE MARIZÁPALOS after Gaspar Sanz & anonimous S. XVII. [05:04]

4. FANDANGOS DE NORTE A SUR after Stockholm Manuscript (ca. 1755) & Antonio Soler (1729 – 1783). [06:49]

5. YO SOY EL PASACALLES after Henri de Bailly (before 1637) & Heinrich Ignaz Franz Biber (1644 – 1704). [09:56]

6. LA JOTTA after Santiago de Murcia. [03:40]

7. EL QUE GUSTARE DE FOLÍAS ANTIGUAS PONGA CUIDO EN ESTAS MODERNAS after Gaspar Sanz, Arcangelo Corelli (1653-1713) & Salamanca Manuscript (ca. 1659). [10:11]

8. MARIONAS after Santiago de Murcia (1673 – 1739). [03:28]

9. EL BAILE DE LA CHACONA ENCIERRA LA VIDA BONA after Salamanca Manuscript (ca. 1659) & José Marín (1618 – 1699). [05:26]

10. RECERCADAS EN EL TIEMPO after Diego Ortiz (ca. 1510 – ca.1576). [06:40]

11. JÁCARAS DE LO HUMANO Y LO DIVINO after Sebastián Durón (1660 – 1716), Gaspar Sanz y anonimous S. XVII. [04:13]

CRÍTICAS:

«El disco es una absoluta delicia que se ha cuidado hasta el más mínimo detalle.» – Revista Ritmo.

«Es difícil escuchar a una soprano que cante con tanta expresividad, dominio técnico, gusto y belleza como Ana Vieira Leite» – Revista Scherzo.

«La interpretación del conjunto es espléndida, desarrollando con imaginación y rigor un bajo continuo que es el pedestal perfecto para la extraordinaria soprano Ana Vieira Leite» – La Lectura de El Mundo.

«Ana Vieira Leite emociona y conmueve (brillante en ornamentos, vocalizaciones, sublime en la cadencia); la naturaleza de su voz rica en matices, prodigiosa en el registro central, enamora.» – Revista Melómano.

SOBRE EL CD:

Domenico Scarlatti fue un hijo del arte: del arte del teatro de ópera. Cuando nació en Nápoles en 1685 su padre Alessandro (1660-1725), mucho más famoso que él durante el siglo XVIII, llevaba dos años trabajando para el melómano virrey marqués del Carpio como maestro de la real capilla pero, sobre todo, como compositor de óperas. Tenía que componer tres nuevas cada año que se representaban durante la temporada de carnaval. A esto había que sumar los encargos procedentes de Roma y otras ciudades italianas además de las cantatas que requerían los nobles para acompañar y distinguir las conversazioni con las que, al caer la noche, solían agasajar a sus invitados. En definitiva, mucha música nueva que componer, más de la que una sola persona podía asumir, por lo que la casa de los Scarlatti tenía algo de taller industrial de música operística. En este contexto creció Domenico, viendo al músico más importante y reclamado de Italia componer continuamente para las mejores voces, las que los virreyes napolitanos se afanaban por tener a su servicio para mayor gloria de su teatro y para mayor relumbre de su magnificencia. Este fue el aprendizaje de Domenico hasta que en 1702, en medio de las incertidumbres causadas por la Guerra de Sucesión española, su padre decidió buscar, para sí y para su hijo, un futuro más seguro en Roma. Apenas tres años después, en 1705, nació Carlo Broschi Farinelli, el cantante de formación napolitana más famoso del siglo XVIII a quien debemos la conservación de las cantatas aquí grabadas, así como el corpus de 555 sonatas por las que Scarlatti pasó a la Historia. Los dos concluyeron sus parábolas profesionales al servicio de los reyes de España, Bárbara de Braganza y Fernando VI (1746-1759). La cantata de cámara, a pesar de compartir la denominación con las más conocidas obras religiosas de Bach, poco tiene que ver con éstas. Era de hecho el laboratorio donde se entrenaba el compositor de óperas. Ambos géneros partían de la misma sustancia creativa: un texto poético diseñado para ser puesto en música, para ser cantado. Las cantatas, sin embargo, tenían algo de específico que las diferenciaba de las óperas: estaban destinadas a un público erudito capaz de apreciar la sutileza literaria y la sofisticación musical. Un ejemplo de esta exquisitez literaria se percibe en el texto de la cantata antes citada, firmado por el poeta italiano más importante del siglo XVIII, Pietro Metastasio. Farinelli fue heredero de esta época que magnificaba retrospectivamente en su memoria cuando, desde Madrid (adonde había llegado en 1737), se quejaba de los modernos compositores obsesionados con la belleza de la melodía y poco versados (a diferencia de Alessandro) en el arte del contrapunto. No tenemos pruebas definitivas de que Domenico compusiera estas cuatro cantatas para Farinelli, pero sí podemos estar seguros de que este las apreciaba como emblema de aquel esplendor napolitano en el que se formó. El musicólogo Malcolm Boyd observó que la voz de Farinelli se ajustaba al tipo de cantante para el que están pensadas estas cuatro obras.

PISTAS:

Se fedele tu m’adori. Cantata a voce sola con violini
1. Aria: Se fedele tu m’adori [07:15]
2. Recitativo: Tirsi, poi che tu sai [01:12]
3. Aria: Non è contenta l’ape ingegnosa [05:16]

Dir vorrei ah, m’arrossisco. Cantata a voce sola con violini
4. Aria: Dir vorrei, ah, m’arrossisco [07:04]
5. Recitativo: Qualor da te lontano [02:07]
6. Aria (Allegro risoluto): Quante furie ha il cieco averno [07:33]

Pur nel sonno almen talora. Cantata a voce sola con violini
7. Introduzione alla cantata: Allegro [05:18]
8. Minuet [00:47]
9. Aria (Andante Lento): Pur nel sonno almen talora [09:13]
10. Recitativo: Pria dell’aurora, o Fille [02:40]
11. Aria (Allegro moderato): Partì con l’ombra, è ver [05:04]

Scritte con falso inganno. Cantata a voce sola con violini
12. Recitativo: Scritte con falso inganno [01:07]
13. Aria: Che vuol dir que tuo non sono [03:50]
14. Recitativo: Dimmi, lingua bugiarda [01:10]
15. Aria: Vorresti, sì vorresti dal labro mio sentir [04:02]

CRÍTICAS:

«La luminosa interpretación de Concerto 1700 (…) se adentra en un territorio muy poco explorado de la música española.» – Revista Scherzo.

«Este álbum es una joya musical española de principio a fin.» – Opus Klassiek.

«Un disco excelente, apto para los entendidos y también para públicos que se inician en el mundo de la música clásica.» – Revista Melómano.

SOBRE EL CD:

Por fortuna, ya se va dejando atrás la imagen de la música española del siglo XVIII como un páramo que poco puede ofrecer de interés al oyente actual. Este oscuro cuadro se ha pintado a partir de un insuficiente conocimiento, además de algunos prejuicios firmemente arraigados sobre el «siglo de las luces» en España, que ha sido juzgado por unos como extranjerizante y sin personalidad, y por otros como un proyecto sin vigor y fracasado. En los últimos años, tanto intérpretes como estudiosos están aunando sus esfuerzos para dibujar una imagen más positiva de la música de este período.

Uno de los compositores cuya obra merece salir del olvido es José Castel. Nacido en Tudela (Navarra) en noviembre de 1737, su formación fue la típica de un maestro de capilla español del Antiguo Régimen.

Castel fue un competente y versátil compositor que cultivó los principales géneros musicales de su época, desde música litúrgica hasta música escénica y sinfónica. Sus composiciones sacras – que comprenden misas, salmos, misereres y lamentaciones, además de cantadas y villancicos – quizá sean lo menos estudiado de su producción, aunque en su época disfrutaron de gran aprecio, como se desprende del hecho de que estén ampliamente diseminadas por diversos archivos españoles y americanos.

Siguiendo una práctica habitual en las colecciones de música de cámara impresas en la época, Castel escribió cinco tríos en tonalidades en modo mayor, componiendo uno solo, el Trío IV, en modo menor. Sobresale en ellos una gran variedad formal y estilística, propia de un compositor muy versado en diferentes géneros de música. François Lesure, gran especialista en la historia de la edición musical parisina, dató el impreso hacia 1785, fecha que podemos dar por buena, al menos de manera aproximada. El único ejemplar que se conoce del impreso se custodia en la Biblioteca Nacional de Francia.

PISTAS:

Trio I in B flat Major
1. Allegro spiritoso [06:32]
2. Larghetto [02:15]
3. Menuetto (Allegretto) – Trio [03:35]

Trio II in F Major
4. Larghetto – Allegro [02:59]
5. Menuetto (Andantino) – Trio [02:53]

Trio III in E flat Major
6. Allegretto Gratioso [05:27]
7. Larghetto [01:49]
8. Allegro [02:05]

Trio IV in G Minor
9. Allegretto Gratioso [09:34]
10. Andante Largo [02:38]
11. Rondeau (Allegretto) [01:29]
12. Menuetto (Andantino) – Trio [03:16]

Trio V in A Major
13. Allegro [06:02]
14. Despacio [01:56]
15. Menuetto (Andantino) – Trio [03:32]

Trio VI in E Major
16. Cantabile [02:47]
17. Allegro [04:11]
18. Menuetto (Allegretto) – Trio [04:00]

CRÍTICAS:

«Estas cuatro cantadas reciben una interpretación absolutamente excepcional en esta grabación. Daniel Pinteño como director y primer violín, Carlos Mena como voz solista y los demás integrantes de Concerto 1700, dan lo mejor de sí mismos y nos regalan un disco inolvidable» – Revista Scherzo.

«La ejecución es realmente enérgica y precisa: impecable el contratenor Carlos Mena, al igual que todos los componentes de Concerto 1700, dirigidos por Daniel Pinteño – Rivista Musica.

«Concerto 1700 sabe encontrar los puntos de enorme profundidad expresiva, así como los de mayor energía y vitalidad, en un equilibrio de tempi bien logrados y una abundante paleta de recursos dinámicos.» – Revista Melómano.

«Carlos Mena […] luciendo dominio técnico y expresividad, con una coloratura siempre ágil y efectiva, una dicción exquisita y un gran dominio de la palabra.» – Revista Ópera Actual.

«El contratenor Carlos Mena canta con su habitual soltura, sin fallo ni reproche alguno. Sin embargo, la verdadera sensación de esta grabación es la excelente orquesta, Concerto 1700, que ejecuta su parte excepcionalmente exigente con una precisión y naturalidad que impresiona.» – Bayerische Runkdfunk.

SOBRE EL CD:

«Don Antonio Literes, compositor de primer orden, y acaso el único que ha sabido juntar toda la majestad y dulzura de la música antigua con el bullicio de la moderna»

Benito Jerónimo Feijoo, Teatro crítico universal (1726)

Con estas palabras hacía referencia el Padre Feijoo a uno de los compositores españoles más importantes del siglo XVIII: Antonio Literes y Carrión. Nacido en 1673 en la localidad mallorquina de Artá, Literes se trasladó hacia 1686 a Madrid, donde ingresó en el Real Colegio de Niños Cantores, institución en la que llegó a ejercer como maestro de música interino entre 1692 y 1694. En 1693 fue nombrado «músico de violón» de la Real Capilla, cargo que ocupó hasta su muerte en 1747. A partir de 1709, tres años después de que el maestro Sebastián Durón se exiliara a Francia, se encomendó a Antonio Literes y a José de Torres la composición de música para la Real Capilla, una labor que continuó realizando Literes tras el ascenso de Torres en 1720 al magisterio de dicha institución.

Las composiciones sacras de Antonio Literes, menos conocidas pero de un nivel comparable a la de su producción escénica, se conservan principalmente en Madrid, San Lorenzo de El Escorial, Toledo y Guatemala. Precisamente al conjunto de obras conservadas en el Archivo Histórico Arquidiocesano de Guatemala, que custodia los fondos musicales de la catedral, pertenecen las cuatro cantadas al Santísimo para alto de Literes grabadas en este disco. Es probable que estas obras estuvieran destinadas en su origen a la función de «las cuarenta horas» que se celebraba en la Real Capilla.

PISTAS:

Ya por el horizonte. Cantada al Santísimo con violines, oboe y clarín (1728)
1. Recitado: Ya por el horizonte [00:50]
2. Aria (Vivo): Suene el alboreada [07:04]
3. Grave: Ay, que si yo pudiera [01:00]
4. Coplas (Airoso): Si a gozar solo aspiro [00:45]
5. Recitado: Repite, ave canora [01:08]
6. Aria (Vivo): De su aplauso en el empleo [07:16]

Si el viento. Cantada al Santísimo con violines y oboe (ca. 1725)
7. Recitado: Si el viento busca el ave placentera [00:51]
8. Aria (A medio aire): Es el divino centro del hombre [05:44]
9. Recitado: Por eso ha descendido [00:50]
10. Aria (Vivo): Como alegres placenteros [05:09]

Cuando a pique, Señor. Cantada al Santísimo con violines (1733)
11. Recitado: Cuando a pique, Señor [00:53]
12. Aria (Alegre): Va zozobrando la navecilla [04:44]
13. Recitado: ¿Qué tiene que temer? [00:50]
14. Aria (Alegre): Llegue ansioso tu cuidado [05:53]

De aquel fatal bocado. Cantada al Santísimo con violines y oboe (1730)
15. Recitado: De aquel fatal bocado [00:45]
16. Aria (Amorosa): Pan de llanto y de dolor [05:17]
17. Recitado: Tanto transforma al hombre [00:30]
18. Aria (Vivo): Elévate a ese velo [05:43]

CRÍTICAS:

«La enérgica interpretación de los tres solistas resulta especialmente emocionante» – Revista Melómano.

«El empaste es perfecto, consiguiendo momentos de una riqueza tímbrica sobresaliente en los movimientos más rápidos, en los que hay que alabar la precisión en entradas y finales»– Revista Scherzo.

«Excelente interpretación con instrumentos originales de Concerto 1700.»– Rivista Musica.

«La música es de una belleza fabulosa, especialmente en los pasajes más líricos y reposados.» – Revista Ritmo.

SOBRE EL CD:

Gaetano Brunetti, también conocido en España por el nombre de Cayetano, nació hacia 1744 en Fano, ciudad de la costa adriática que entonces estaba bajo la soberanía de los Estados Pontificios. Al menos desde 1760, con 15 o 16 años, se encontraba ya en España, pues ese año se presentó a las oposiciones de violinista de la Real Capilla del Palacio de Madrid. En octubre de 1767 Brunetti consiguió finalmente una plaza de violinista de la Real Capilla. Tras la muerte de Felipe Sabatini en 1770, Brunetti fue nombrado maestro de violín del Príncipe de Asturias, futuro Carlos IV. En realidad, este nombramiento implicaba hacerse cargo de todo lo relacionado con la música del cuarto del príncipe: Brunetti no solo debía componer obras nuevas para las academias de su ilustre patrón, sino también seleccionar el repertorio y elegir a los músicos que debían tocar. Tras la coronación de Carlos IV, a principios de 1789 Brunetti formó parte del conjunto de músicos de la Real Cámara.

Se conservan actualmente 52 tríos de cuerda de Brunetti (aunque hay constancia de varios que se han perdido), 29 de los cuales están escritos para dos violines y violonchelo y 23 para violín, viola y violonchelo. Mientras que Brunetti llamó simplemente «trios» a las obras para dos violines y violonchelo, las obras para violín, viola y violonchelo aparecen denominadas «divertimenti» en las fuentes. Esta denominación posiblemente se deba a su instrumentación, distinta a la plantilla de dos violines y bajo, que entonces era la habitual. También es posible que sea por el carácter más ligero de los divertimenti, que suelen consistir en dos o tres movimientos breves.

En la década de los 70 del siglo XVIII Brunetti compuso 18 divertimenti, divididos en tres series de seis obras cada una. La primera serie (L133-138) parece que ha de fecharse en 1773, la segunda serie (L139-144) en 1774 y la tercera serie (L127-132) en 1775. Estos divertimenti son una contribución importante a la génesis del género, pues se compusieron poco después del divertimento de Haydn (Hob. V:8), fechado hacia 1765, y de los tríos con viola Op. 14 de Boccherini, publicados en París en 1772. Posteriormente, en 1784, Brunetti compuso otra serie de divertimenti (L145-149), cuyo modelo fueron unos divertimenti de Haydn copiados hacia 1783 para el cuarto del Príncipe de Asturias que, en realidad, eran arreglos para violín, viola y violonchelo de tríos originalmente escritos para «baryton».

Los 18 divertimenti de Brunetti son un buen ejemplo de la madurez compositiva que alcanzó este músico ya en los años 70, consecuencia de su personal asimilación y amplio conocimiento de la música que se hacía en toda Europa. Es de destacar en ellos la hermosura y el lirismo de los temas, el tratamiento independiente que se da a los tres instrumentos, los desarrollos ingeniosos y bien llevados – lo que denota la huella de Haydn – o las delicadas texturas y los efectos armónicos sorprendentes, clara influencia de Boccherini.

PISTAS:

Divertimento in G Major L127
1. Andante [02:11]
2. Allegretto [02:53]

Divertimento in E flat Major L130
3. Larghetto stacato [06:18]
4. Allegro [03:38]

Divertimento in D minor L136
5. Andantino con moto [03:52]
6. Allegretto [05:43]

Divertimento in E flat Major L133
7. Andantino [08:17]
8. Tempo di Minuetto [03:53]

Divertimento in B flat Major L140
9. Larghetto cantabile [04:00]
10. Allegro [03:22]

Divertimento in D minor L142
11. Andantino Gracioso con Variazioni [03:47]
12. Allegro non molto [06:01]

CRÍTICAS:

«La elección de la música está crucial porque arroja luz sobre un momento de transición entre el barroco tardío y el estilo galante y preclásico. El resto lo hace la magia del violín con sus inescrutables, fantasiosos e imaginativos giros.» – Rivista Musica.

«Partituras brillantes, luminosas y de exigencia idiomática realmente importante para el violín, abordadas con energía y buena claridad por Daniel Pinteño.» – Revista Melómano.

«Hermosas piezas que emanan una distinción única en el violín de este intérprete revelación, ayudado por un también excelente trabajo de sus compañeros de Concerto 1700 en el bajo continuo»– Revista Docenotas.

«Ingredientes todos que hacen de esta música un auténtico deleite, una agradable muestra del arte instrumental italiano que visitaba con frecuencia nuestras fronteras» – Opera World.

SOBRE EL CD:

A día de hoy la Biblioteca Nacional de España custodia entre sus fondos decenas de colecciones de sonatas para violín de autores italianos publicadas por editores de Londres, Ámsterdam o Berlín en las décadas de 1760 y 1770. Sin duda se trata de nombres que para un melómano contemporáneo pueden resultar desconocidos pero que en su momento gozaron del reconocimiento del público. Tanto es así que es fácil encontrar referencias a violinistas italianos como Tartini, Borghi, Nardini, Ferrari o Barbella en crónicas de concierto y anuncios publicados por la incipiente prensa madrileña de la segunda mitad del siglo XVIII.

La pregunta que surge es: ¿cómo llegaron estas sonatas hasta aquí? La pista definitiva para identificar cómo se produjo el desembarco de todas estas colecciones italianas en Madrid viene dada por el sello de la Biblioteca del Palacio Real de Madrid que todas ellas lucen en portada, por lo que se puede deducir que se trata de colecciones que los editores ingleses, franceses, holandeses y alemanes enviaban, en muchas ocasiones, motu proprio a la corte española como muestra de las novedades musicales que se estaban imprimiendo en otras naciones. Aunque cabe preguntarse, ¿se llegaron a tocar en la corte? Es difícil de contestar, pero en todo caso estas partituras representaban una ventana abierta a lo que estaba ocurriendo en el panorama musical europeo, un compendio de las tendencias y de los grandes cambios estilísticos que se estaban produciendo por aquellas fechas. En esa estrecha franja temporal convivieron los últimos estertores del barroco, el estilo galante y los brotes del clasicismo. El programa reúne una pequeña, pero representativa muestra, de este conspicuo material compuesto entre 1760 y 1777. Se configura así un viaje por una frontera imaginaria que pone en contacto dos épocas apasionantes y que están todavía por estudiar.

PISTAS:

Emanuele Barbella (1718 – 1777)
Sonata VI from Six Solos for a Violin and Bass […] Dedicated to Arch. Menzies of Culdares (ca.1765)
1. Larghetto e con Gusto [03:10]
2. Allegretto [04:43]
3. Allegretto Brillante. Alla Francese [04:45]

Pietro Nardini (1722 – 1793)
Sonata IV from Six Solos for the Violin with a bass Op. 5 (1769)
4. [-] [03:24]
5. Allegro [06:23]
6. Allegro [05:17]

Eligio Celestino (1739 – 1812)
Sonata IV from Six Solos for the Violin and a bass for the harpsichord or Violoncello Op. 2 (1774)
7. Largo [03:10]
8. Allegro [06:58]
9. Minuetto. Andantino [05:25]

Luigi Borghi (ca.1745 – ca.1806)
Sonata IV from Six Solos for a Violin and Bass Op. 1 (1772)
10. Allegro [06:00]
11. Largo [03:24]
12. Rondeau. Andante Amoroso [04:03]

Felice Giardini (1716 – 1796)
Sonata II from Six Solos for the Violin and a Bass Op. 19 (1777)
13. Adagio [05:35]
14. Presto assai [03:50]
15. Grazioso [04:27]

CRÍTICAS:

«La interpretación le hace plena justicia: la voz poderosa de Peña suena aquí más delicada y dulce que nunca, y el acompañamiento instrumental resulta en todo momento ejemplar.» – Scherzo Magazine.

«Gracias a Concerto 1700, liderado con destreza por el violinista Daniel Pinteño (como se puede apreciar en las cadencias a solo) y la joven soprano Aurora Peña […], se recuperan cuatro conmovedoras cantatas sacras en lengua española» – Rivista musica.

«Valiente reivindicación de la figura del compositor barroco español José de Torres (ca. 1670-1738) la que emprenden en este disco de exquisita factura la soprano Aurora Peña y el conjunto Concerto 1700 bajo la dirección del violinista Daniel Pinteño.» – Opera World.

«Una música de primerísima calidad, afortunadamente rescatada de los archivos con una interpretación que le hace plenamente justicia y editada con mimo en un CD que es bello hasta el último detalle. Un ejemplo a seguir en recuperación histórica.» – Ritmo Magazine.

SOBRE EL CD:

A pesar de ser hoy en día casi un desconocido, José de Torres (1670-1738) gozó de gran prestigio entre sus contemporáneos, lo que trajo consigo que su obra circulara ampliamente por los diversos territorios hispánicos. No es casualidad, por ello, que las cuatro cantadas seleccionadas en el presente CD se conserven hoy en día en las catedrales de México y Guatemala.

Las cantadas tardías de José de Torres muestran bien la asimilación, siempre de manera personal y originalísima, de las últimas tendencias musicales. Si en sus primeras cantadas, escritas durante la década de 1710, Torres mezclaba los recitados y arias con otros movimientos procedentes de la práctica hispana de finales del XVII, como coplas, seguidillas, graves, minués, estribillos o fugas, en sus últimas cantadas opta por seguir el esquema estandarizado de sucesión de recitados y arias. Además de ello, la duración y complejidad de las arias se amplía notablemente respecto a sus primeras incursiones en el género.

PISTAS:

Reloj que señala. Cantada al Santísimo con Violines y Oboe
01. Aria: Reloj que señala [05:41]
02. Recitado: Ay, que cada minuto [01:19]
03. Aria: Aún en música sonora [11:26]

Sosiega tu quebranto. Cantada al Santísimo con Violines
04. Aria [Despacio]: Sosiega tu quebranto [05:17]
05. Recitado: Ya el enemigo infiel de los mortales [00:32]
06. Aria [Vivo]: De airados viento la unión, combatirán el poder [06:43]

Amoroso Señor. Cantada al Santísimo con Violines y Oboe
07. Recitado: Amoroso Señor, omnipotente [00:51]
08. Aria [Andante]: Quien todo es amores [06:00]
09. Recitado: Goza, goza dichosa [00:44]
10. Aria [Vivo]: Suave acento [06:04]

Murió por el pecado. Cantada al Santísimo
11. Recitado: Murió por el pecado [00:50]
12. Aria [Despacio]: El arroyo está helado [06:17]
13. Recitado: Venérente, Señor [00:36]
14. Aria [Vivo] : No tema el día [05:34]